El arte de la tridimensionalidad pronto le sumerge en una abstracción de raíz constructivista y en el mundo irracional de ascendencia surrealista. Crítico y a la vez irónico, se nutre de movimientos vanguardistas como el dadaísmo, aunque nunca abdica de su lenguaje de huella autóctona. El extraordinario dominio de la técnica del dibujo, el hecho de saber armonizar monumentalidad y paisaje, la relación indisoluble entre los elementos orgánicos extraídos de la naturaleza y las formas geométricas, así como la introducción del fragmento como elemento indispensable de reformulación, nos abren nuevos caminos y perspectivas dentro de una inagotable fuente de expresión de ideas y pensamientos innovadores.
Con su arte golpea la consciencia del espectador, y pone en entredicho la autoría en el arte y la identificación del autor. Sus creaciones son reflexiones visuales sobre la vulnerabilidad del arte y de la agresividad subyacente del sistema artístico, que enmascara lo más profundo detrás de la imagen ambigua del artista. Su obra, abierta, pasajera, de creación efímera e incompleta, provoca infinitud de lecturas e interpretaciones.
Sus inicios estan influidos por las ideas dalinianas, el pop art y los cómics, pero desde finales de los ochenta se adhiere a la disciplina escultórica del mosaico y la acumulación. En su adolescencia creó un grupo barroco psicodélico con Wolfgang Arndt. Ha ejercido de ilustrador, de dibujante de cómic y de crítico de arte, y ha llevado a cabo montajes al aire libre y en edificios abandonados de Roma, Manchester, Tiermas, Arija y Brooklyn. Alquimista, explorador y mutador cuyas creaciones nos transportan hacia una nueva realidad, más allá de los sueños, de las ilusiones y de la pura apariencia, con paisajes mentales engendrados en el delirio rocambolesco, la fantasía más irracional y el pensamiento más intrínseco.
Anna Miquel explora e interpreta una realidad múltiple, donde el cuadro no acaba en sí mismo por ser constatación de la vida misma. Mirando a la calle, observa y extrae un discurso propio de sus elementos más simbólicos. No puede hablase de paisajismo pictórico en el sentido más estricto, sino de exploración de valores que generan una empatía sugerente en el espectador. Investiga la técnica mixta del cemento con pigmentaciones sobre tela y papel; y como innovación, introduce el uso del acetato de relación íntima con los procesos creativos del cine de animación, practica llevada a cabo desde hace algunas décadas.
Su trabajo se caracteriza por un importante componente de teatralidad, con una constante vulneración de los límites entre la acción y el espectador, así como de la función del propio espacio de representación que cuidadosamente escenificado emana una estética mágica. Mediante la fotografía y la performance, el público adquiere el protagonismo en una obra que cuestiona las normas de comportamiento social, pues involucra al propio espectador sin desvelar la identidad y confidencialidad de cada uno de los individuos presentes.
Antonio Miralda reflexiona en su obra sobre las conexiones entre la nutrición, la ciencia y la cultura popular. Ironía y ambigüedad, osadía y monumentalismo barroco y kitsch, provocación y alabanza al mal gusto imperante, devastación de estereotipos pero también inmersión en los aspectos más populares y espontáneos de la cultura de masas, parecen ser las coordenadas por donde deambula su trayectoria creativa. Su arte enlaza directamente con el conceptualismo y con nombres como John Cage, Nam June Paik – precursor del videoarte- o el creador de los grandes envoltorios, Christo. Artista fascinado por el espectáculo pastelero y gastronómico, incluso sus últimas creaciones sin comida se refieren a objetos relacionados con el mundo de la alimentación.
Está considerada una de las primeras artistas conceptuales catalanas. A comienzos de los años setenta, empezó a realizar intervenciones en la naturaleza, que contenían una crítica social hacia el régimen franquista tardío, y también como un diálogo entre la misma naturaleza y la artificialidad. A finales del siglo pasado, y después de un tiempo viajando por América del Sur y Europa, se instaló en Cadaqués, donde recupera el arte de la acción y la performance.
La obra de Miró ofrece una de las visiones más particulares de la corriente surrealista y refleja el interés constante por el subconsciente, el mundo onírico, los recuerdos de infancia y la tierra catalana. Pintor, escultor, ceramista y grabador que, desde unos ensayos detallistas y de concepción casi caligráfica impregnados de las innovadoras tendencias parisienses, entra en contacto con los surrealistas para derivar hacia un enfoque sintético y expresivo. Joan Miró generó un lenguaje visual y una iconografía que se convirtieron en estandartes de unas composiciones poéticas que conjugan con sutileza figura y signos, y que llegaron a su máxima simplificación por medio del color y de las formas esenciales. Una de las aportaciones más significativas del artista fue la creación de la Fundació Joan Miró, realizada por Josep Lluís Sert en el año 1975 y dedicada a difundir las tendencias artísticas imperantes y a promocionar a los creadores catalanes.
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