Participa en exposiciones desde el año 1986 y fue instructor del género retratista en varios cursos y seminarios. Josep Maria Cabané vela por la representación de la figura humana, usando la estética del retrato pero rehuyendo la fidelidad fotográfica. Sus personajes son el resultado de una reformulación de los rasgos humanos, de la imaginación y del propio universo intimista. Reanuda y distorsiona todo aquello que vemos bajo una clara intención transformadora que le acerca al surrealismo de Magritte, pero que envuelve de melancolía y donde el vacío espacial da relieve y protagonismo al individuo. Sus últimos trabajos derivan hacia un tratamiento de los aspectos más históricos de la memoria cíclica.
Escultor que crea figuras expresionistas estilizadas, para evolucionar hacía la abstracción con un lenguaje de formas orgánicas y ensamblajes, clara alusión al Pop Art.
Celebra su primera exposición el año 1965, asesorado por el escultor Domènec Fita. Entre los años 1981 y 1991 modela esculturas de gran formato destinadas a espacios públicos, y al mismo tiempo empieza a experimentar con nuevas formas y materiales sin abandonar la madera en su hábitat forestal.
Pintora, escultora, fotógrafa y poeta, Lita Cabellut, artista catalana afincada en Holanda, reivindica la universalidad del arte y describe, a través de este, la realidad de la condición humana. Visiblemente influida por artistas como Goya o Francis Bacon, su universo creativo se aferra al compromiso y la preocupación por el ser humano, al que coge como objeto e introduce en la obra mediante una técnica en la que la importancia recae en captar la vivacidad de la piel, el órgano externo que revela el paso del tiempo y las experiencias, aquel que desnuda la crudeza, la fuerza, el carácter y la angustia de los instantes más emotivos de su existencia.
Trabaja sobre todo la fotografía de paisaje, centrándose, mayoritariamente, en las vistas costeras. Sus imágenes, conseguidas con diferentes recursos de la fotografía digital, filtros y una larga exposición a la luz, muestran escenas enigmáticas, incluso conmovedoras, que invitan al espectador a descubrir la belleza de la realidad que nos rodea y adentrarse en un mundo en el que las cosas aparentemente ordinarias devienen exquisitas.
La evolución de Xavier Calicó ha conseguido que, con el paso de los años, su trabajo transite a lo largo de diversas tendencias artísticas, siguiendo criterios sorprendentes y, en ocasiones, insertándose en corrientes de aspecto generalista. Después de un periodo inicial en el que experimenta con la abstracción y la figuración, a mediados del año 1967 el artista configura un lenguaje propio como reflejo de un mundo en el que las formas sintéticas y los colores se entremezclan bajo una concepción mironiana. Sin embargo, desde finales de los años setenta, su trabajo hace un repentino viraje al dejarse seducir por el neoexpresionismo alemán, que desemboca en un sin retorno figurativo de tono realista.
Sergio Calleja, utiliza, principalmente, la técnica acrílica sobre un soporte de tela de lino. Ha evolucionado desde un estilo fuertemente influenciado por Ringo de Julian hacia el monocromatismo (blanco-negro-gris) como resultado de la observación de las obras de Franz Kline o las fotografías de Bernd y Hilla Becher. Estructuras arquitectónicas e industriales confieren a sus composiciones un carácter dinámico y colosal que fricciona con el ámbito científico-técnico, para llevar al espectador a una reflexión sobre la forma, la analogía, la estructura básica de un sistema que parte del anonimato, la soledad, como quien observa un conjunto de elementos sin esperar verdaderos cambios.
Los inicios de la década de los noventa fueron decisivos en la trayectoria artística de Alvar Calvet, que sumerge en un trabajo de expresión personal y conjuga la creación plástica con la vertiente pedagógica, como profesor de arte. Alvar Calvet insiste en la relación con la cotidianidad, e invita al espectador a participar, para obtener una respuesta. Composiciones de líneas horizontales y verticales en que mezcla telas estampadas y pintura que pauta mediante de estructuras geométricas y que ofrecen infinitud de variantes. Influido por Sean Scully, Mondrian y su coetáneo Joaquim Chancho, se inscribe en la corriente abstracta para fusionar arte y vida, obra y público, y socializar el arte dentro de los colectivos más alejados de la creación artística.
Como resultado de una síntesis de tendencias y estilos influidos por las primeras vanguardias, el surrealismo, la metafísica, la filosofía y la literatura, el lenguaje de Sergi Cambrils revela un gran dominio del dibujo y de la técnica mixta. Escenas oníricas, fantásticas, con un alto componente de contradicción y ambigüedad en las que el espectador encuentra un conjunto de referencias; cerradas de ojo que nos invitan a soñar y a navegar en un mundo poético y conmovedor a la vez, contiguo al que nos mostraba Lewis Carroll. Sin embargo, el equilibrio entre extremos no es estático ni perenne, sino que unas veces se inclina hacia aquello conmovedor u oscuro y otras magnetiza con fuerza la mirada del espectador.
El contacto con la naturaleza, aquello primigenio para la búsqueda de un lenguaje ancestral, da como resultado unas obras que reflejan la lucha entre la destreza humana y los materiales concebidos por la Tierra. El artista subsume la materia a sus deseos más íntimos y recónditos hasta obtener un objeto mágico, como un vestigio neolítico adaptado a los tiempos actuales. Casi la totalidad de sus trabajos participan en la idea de la reconstrucción, entendida como una especie de rompecabezas (aquello que la posmodernidad ha llamado de–construcción). La otra variante es la creación de formas que se entrelazan, se relacionan e interactuan para incidir y modificar el espacio natural o urbano y así aportar algo de nuevo. Ángel Camino ha desarrollado una tarea teórica y docente importante en escuelas de arte y talleres, y ha impartido conferencias por todo el Estado español y el extranjero.
